VIAJE ARTÍSTICO POR LA MILENARIA ASIA

The Metropolitan Museum of Art presenta una página web llamada Helbrum Timeline of Art History magnifico proyecto que nos permite recorrer la historia del arte mundial, desde la prehistoria hasta el siglo XIX de todas las regiones del planeta, con búsquedas selectivas por épocas, regiones, tipos de obra de arte, y diversos índices.

De esta “línea del tiempo en la historia del arte”, he escogido la región asiática, para presentarles imágenes de obras relevantes, desde el siglo 1000 bC (antes de Cristo) al siglo XIX aC (después de Cristo), “visitaremos” China, Corea, Nepal, Tíbet y la India, he excluido muchas de las regiones como Tailandia, Bangladesh…etc, por motivos de espacio, y porque me ha parecido más interesante acompañar cada imagen de una explicación, tomada generalmente del texto en inglés que acompaña a las fotos del museo. He traducido y extractado dicha información y en algunos casos la he complementado con fuentes externas. De esta forma creo, tendrán ustedes una idea más completa de lo que están viendo. Desde aquí los créditos para www.metmuseum.org por su bien elaborada y cuidada información. Igualmente mencionar que el museo tiene derechos sobre las imágenes que muestro a continuación con intención exclusivamente didáctica y para ningún otro uso, según Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

Inevitablemente y dado los textos el post será largo, pero creo sinceramente que merece la pena verlo con calma. Para ampliar las fotos pulsen sobre las mismas.




000-Recipiente de vino ritual-dinastía Shang (ca. 1300-1050 aC)- provincia de Henan-China- Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

Realizado en bronce e inspirado en la imagen de un pájaro, como puede verse por el pico y los ojos en su frente, este raro ejemplar fue utilizado para verter el vino u otras bebidas en las ceremonias rituales de los gobernantes de la dinastía Shang (ca. 1600 - 1050 aC).

La espiral de serpientes que salen de las alas son acompañados por el rugido del tigre rondando a lo largo de los dragones de los lados, el ave cornuda que sirve de mango se convierte milagrosamente en una cola corta de dragón-serpiente. Todos estos detalles, cuidadosamente realizados en alto relieve, se establecen sobre un bajo relieve de fondo con espirales, conocido como thundercloud. Este recipiente fue fabricado utilizando varias piezas de moldes de cerámica, un método que no tenía paralelo en el mundo antiguo. En esta técnica, los moldes de cerámica tallados con múltiples diseños complicados estaban reunidos en torno a un núcleo interior de arcilla. El bronce fundido se vierte en el espacio que queda entre el molde y el núcleo. Después de que el bronce se ha enfriado y endurecido, se rompen los moldes de cerámica para extraer las piezas. Tiempo y precisión se necesitan para hacer piezas de bronce de este tipo, y el control de las materias primas, mano de obra, y la tecnología necesaria para hacer este tipo de objetos era una de las prerrogativas de la élite gobernante en la dinastía Shang.



001-Urna funeraria con tapa- dinastía Han Occidental (206 aC-9 dC)- Probablemente zona de Luoyang- China- Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

Esta urna funeraria conocida como “hu”, está decorada con una bestia azul con colmillos desnudos montando una cuerda en un arco. La decoración del recipiente es uno de los mejores ejemplos conocidos de la pintura Han.

La decoración representa por otra parte un mito celeste: la bestia azul representa a la estrella Sirius, conocida en China como el lobo celestial, y el arquero es una personificación de la constelación adyacente del arquero, cuya flecha apunta siempre directamente a la estrella Sirius.La decoración en el lado contrario es el tigre blanco, símbolo cosmológico del Oeste que domina el cielo nocturno sirviendo de frontera entre el lobo y el arco. Sirius es considerada una estrella siniestra que gobierna el robo y el saqueo y representa en este caso a los barbaros Xiongnu tribus que los han acosado en el noroeste de las fronteras de China. Se decía que cuando Sirius cambiaba de color en un abrir y cerrar de ojos desplazándose de su posición normal los Xiongnu comenzaban la guerra. Afortunadamente esta el vigilante arquero cuya flecha apunta continuamente al lobo. El arco tensado fue considerado como el protector de China.



002-Torre de vigilancia central-dinastía Han Oriental (25aC-220 dC)-China - Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

La dinastía Han (206 aC-220 dC) estableció un modelo imperial duradero al imponer el orden y una nueva conciencia nacional que aun sobrevive hoy en día entre los chinos que se refieren a sí mismos como “gente de Han”. La manifestación artística más importante de la arquitectura Han fueron sus grandes palacios, torres, pasarelas y murallas que fueron construidos como símbolos de poder y prestigio así como para la defensa.

Este modelo de cerámica vidriada con esmalte de plomo verde de una torre de vigilancia, muestra todas las características esenciales de la arquitectura Han.Una gran variedad de modelos arquitectónicos fueron colocados en las tumbas Han para su uso en el más allá. Esta imponente mansión simboliza el alto status de la persona enterrada en la tumba.



003-Recipientes rituales de vino con tapa- dinastía Zhou Occidental-finales s. 8º aC principios s.9º aC-China- Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

En el siglo IX evoluciona un nuevo estilo del trabajo en bronce que se caracteriza por nuevas formas en los recipientes, e imágenes que tienden hacia formas simples y abstractas, estas jarras de vino ritual llamadas “Hu” con pies y tapa, están decoradas con bandas verticales y horizontales conservando en las asas la máscara de dragón de la dinastía Shang.



004- Frasco matraz-dinastia Tang s. 9º aC-China- Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

La espectacular belleza de este matraz de la dinastía Tang resultado del contraste de las salpicaduras de color creadas por dos capas de esmalte, se basan en la coagulación de goteos de esmalte claro sobre una base oscura. Las variaciones de color en este doble vidriado con matices grises, azules, lavanda y marrón oscuro le dan una belleza particular. La base esta sin esmaltar para completar el espectro de tonos de color. Gres de este tipo se fabrico en varios hornos en el norte de China, uno de ellos en Huangdao en la provincia de Henan de la que probablemente sea originaria esta pieza.



005- Aguamanil o jarra de agua para aseo- Dinastia Song-s. 11º al 12º-China- Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

De acuerdo con el gusto imperante de la dinastía Song, la forma y el fino barniz de este recipiente son las cualidades dominantes, teniendo prioridad sobre la ornamentación. Este es uno de los mejores ejemplos de un tipo de cerámica conocida como cerámica celadón esmaltada a base de oxido de cobalto. El ensanchamiento corporal, el importante pero sutil esmalte, y el complejo diseño que cubre la superficie de este elegante aguamanil se complementan mutuamente. El aguamanil tiene tres patas representando máscaras que terminan en garras. El mango es una serpiente-dragón cuya boca es el pico con un diminuto jinete a horcajadas sobre el lomo.



006- Plato con borde festoneado- dinastía Ming-principios de siglo 15-China- Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

Cloisonné es la técnica de creación de diseños en recipientes de metal con vidrio de color pegados colocados dentro de cajas hechas de hilos de cobre o bronce, que se han doblado o martillado en el modelo deseado. Conocidos como cloisons (expresión francesa para "particiones"), las cajas son en general soldadas o pegadas en el cuerpo del metal. La pasta de vidrio, o esmalte, es coloreado con óxido metálico y pintado en las áreas del diseño. La obra suele ser cocida a temperatura relativamente baja, alrededor de 800 º C. Los esmaltes comúnmente sufren retracción durante la cocción, y el proceso se repite varias veces para completar los diseños. Una vez que este proceso se completa, la superficie de la pieza se frota hasta que los bordes de la cloisons son visibles. Luego se realiza el dorado, como en este plato, al que se ha dorado su festoneado en los bordes, en el interior, y sobre la base. El diseño de lotos y hojas de acanto se establecen contra un fondo azul turquesa.





007-Cuenco de jade- dinastía Qing- datado en 1774-China- Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

La forma de la pieza indica que se inspiro en el Cueco de Jade Dushan un gran recipiente para contener vino que mide más de 58 cm de altura por 120 de longitud (realizado con jade de la montaña Mount Du una pequeña colina cerca de la ciudad de Nanyang, provincia de Henan, China) y que se muestra actualmente en la Ronda de Fort en el parque Beihai en Pekin siendo uno de los más famosos jades en la historia de China. El original se cree fue encargado por Kublai Khan (1260-95) y fue colocado en el palacio de Guanghan en el cerro de Los Mil Años ubicado en una isla en lago Beihai de Pekin, se supone fue trasladado cuando la destrucción masiva a que dio lugar la transición a la dinastía Ming. Alrededor de 1745 el Dushan Jade Bowl fue recuperado por el emperador Qianlong de un templo donde los sacerdotes lo usaban para contener verduras. El emperador quedo tan deslumbrado por esta pieza que escribió tres poemas y los inscribió en su interior.

La pieza que se muestra esta tallada con dragones marinos y aéreos sobre un fondo de aguas turbulentas.





008-Cesta de picnic- dinastía Qing-siglo 19-China- Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

Esta cesta está construida con tableros de Zitan una madera tropical tan dura que se hunde en el agua, En la antigua China se decía que el color púrpura oscuro del zitan asemejaba el color reservado para el uso de la dinastía Qing. Como resultado, sólo la familia imperial, se le permitió utilizar zitan en China del 17 al siglo 19. Los arboles de Zitan crecen muy lentamente, y por tanto su madera ha sido siempre escasa. Son relativamente pocas las piezas de mobiliario de zitan que existen.

Esta cesta está equipada con tres bandejas apiladas decorada con taraceas que incluyen nácar varias piedras semipreciosas y otras incrustaciones de madera como contraste. La tapa muestra una escena de combate a espada entre dos figuras, en la esquina inferior derecha se ve un pino símbolo de la longevidad y constancia y muchos conos símbolos de la abundancia de hijos, también se observan dos lingzhi, los hongos mágicos de la inmortalidad. Los laterales de las bandejas están adornados con ramitas de flores, hojas y frutos.



009-Par de pendientes- Reino de Silla-principios del siglo 5º-Corea- Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

Este par es un ejemplo representativo de los pendientes de oro puro del siglo quinto de Silla. En este par, la sección superior se compone de un hueco y un anillo, la sección inferior se compone de una fina hoja colgante en forma de corte de hoja, de oro claro. La parte superior e inferior están conectados por una pequeña pieza que las une con calados de diseño.

Las excavaciones de las grandes tumbas del período de Silla en Kyongju han dado grandes cantidades de aretes de oro. Variados en el diseño y el nivel de complejidad, estos aretes deslumbrantes ilustran claramente la habilidad de los artesanos de Silla y de los gustos de la realeza y su nobleza.





010-Bodhisattva Pensativo-período de Tres Reinos (57 aC-668 dC)-Corea- Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

Imágenes del bodhisattva pensativo en bronce dorado se expanden a partir de la India a Japón. En Corea, se convierten en un importante icono budista durante los siglos VI y VII en los tres reinos de Koguryo, Paekche, y Silla. Si bien la iconográfica y estilística originales se remontan firmemente a la India y China, la pensativa estatua es uno de las esculturas más distintivas del budismo coreano. Esta pieza es una de las mejor conservadas y más atractivas de las actuales imagenes del Pensativo de Corea.

El bodhisattva pensativo es fácilmente identificable por su singular pose. La deidad se sienta con su pierna derecha cruzando la colgante pierna izquierda, la cabeza y el torso ligeramente inclinado hacia adelante, y los dedos de su mano derecha tocando su mejilla. Debido a la compleja postura, las esculturas del bodhisattva pensativo pueden tener proporciones ligeramente inadecuadas (torso y brazo derecho muy delgados, por ejemplo). Esta pieza, sin embargo, exhibe gracia y fluidez.

Varias características inusuales de esta pieza son dignas de mención. La atípica tarima en la que se asienta el bodhisattva tiene un atractivo diseño de calados , que es ocultado por la cortinas de pliegues en la parte frontal, pero se revela en la espalda. la corona del bodhisattva está rematada con un orbe y la media luna, lo que indica la influencia de Asia Central. Su cabello trenzado, partido en el centro y cayendo sobre sus hombros, tiene un dramático patrón linear. Los dedos de los pies, especialmente el dedo gordo del pie en el pie derecho, son extremadamente flexibles y dinámicos.



011- contenedores de Incienso-dinastía Koryo (918-1392)-Corea- Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

Durante el periodo Koryo el lacado con nácar alcanzo un alto logro técnico y estético y fue ampliamente utilizado por los miembros de la aristocracia. Las lacas taraceadas combinan textura, color y forma para producir un efecto deslumbrante en grandes y pequeños objetos.

Esta caja de tres niveles tiene incrustaciones de nácar sobre un lacado negro tierra para definir un denso patrón de flores de crisantemo y rollos foliares. Los bordes de la caja están reforzados con alambre de cobre trenzado, la decoración incluye piezas translucidas de caparazón de tortuga (carey) que fueron pintadas con pigmentos rojos y amarillos y luego aplicadas a la pieza. El uso combinado de la laca y el carey es aparentemente peculiar de las obras en laca coreanas.



012-Botella de aceite- dinastía Koryo-finales siglo 12-Corea- Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

Esta pieza fue realizada en cerámica y esmaltada al celadón, que es una técnica que utiliza el oxido de cobalto para sus esmaltes, producto muy caro y que se obtenía en el extranjero en el caso de Corea, por lo cual iba destinada a la clase pudiente, aristocracia y nobleza local. A la pieza de cerámica se le da una primera imprimación y luego se pasa al horno de cocido, posteriormente se recubre con celadón y se cuece de nuevo a una temperatura mayor.



013-Estatua de la Kashyapa-dinastía Choson- año 1700-Corea- Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

Esta escultura de madera policromada puede ser identificado como Kashyapa, el mayor de los dos discípulos del Buda Shakyamuni. Los rasgos faciales transmiten una expresión de benevolencia y de sabiduría.

De acuerdo a la inscripción colocada con los exvotos en el interior de la imagen, la estatua se hizo en el vigésimo noveno día del tercer mes en 1700, junto con un Buda y otras figuras Lohan, en un templo en el Monte Turyun, que ahora forma parte del templo Taehûng en el sur de la provincia de Cholla.



014-Arca de la dinastía Choson-siglo 19-Corea - Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

Este arca o cofre era utilizada para guardar utensilios femeninos en las habitaciones de las mujeres coreanas de la dinastía Choson que según las costumbres confucianas exigía una estricta separación de hombres y mujeres en las dependencias de los hogares, probablemente fue utilizada por una mujer miembro de la corte real. Esta ricamente decorada con nácar, carey, hueso pulido de tiburón y latón y adornada con flores y el símbolo del yin-yang (formando un círculo como es usual).



015-Jarra-dinastía Choson-siglo 19-Corea- Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

La cerámica del siglo XIX coreana tiende a ser mas desinhibida en la forma y decoración que la realizada en los primeros tiempos de la dinastía Choson, grandes y bulbosos jarrones con cuello recto como en este ejemplar son típicos de este periodo y son adornados a menudo con motivos de libre ejecución. La adición de un color suplementario al azul cobalto, ya sea el rojo (cobre) o marrón (de hierro) también fue frecuente en la porcelana de esta época. Esta jarra esta decorada con un color rojo profundo de cobre al que se le añadieron salpicaduras de color negro como contraste, destacando las grandes flores de peonia esbozadas en azul cobalto. Probablemente esta pieza fue cocida en el horno estatal de Punwôn durante sus últimos años de funcionamiento oficial antes de ser privatizado en 1883.



016-Estatua de Tara de pie- siglo 14- Nepal- Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

Tara, la salvadora es la diosa más importante en el panteón budista. Representada aquí en pie, con su mano derecha en un gesto de bendición llamado varadamudra y con su mano izquierdo realizando un gesto ritual denominado vitarkamudra. Se le ha representado con un cuerpo voluptuoso vestida con una túnica abierta con adornos florales, la estatua esta ricamente adornada de joyas incluyendo una corona, pendientes, collares y brazaletes, el efecto global es de elegancia, refinamiento y espiritualidad reforzado por la luz que se refleja del dorado sobre la aleación de cobre con que esta realizada.

La escultura Nepalí fue fuertemente influenciada por la realizada en la India, el énfasis en el volumen fluido y elegante de las formas se remonta a épocas anteriores. Sin embargo, su cara, los grandes ojos y la boca un poco fruncida son característicos puramente de Nepal.



017-La Diosa Durga-siglos 14 al 15-Nepal- Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

Esta es una de las mejores representaciones de la diosa Durga nepalí conocidas. Los dieciocho brazos armados de la diosa hindú Durga, una de las caracterizaciones de la gran diosa Devi, quedan representados en el acto de matar al demonio Mahisha. Después de que los dioses habían sido derrotados por el todo poderoso Mahisha, crearon a Druga para utilizarla como defensora y le entregaron sus armas, con la fuerza de la conciencia colectiva que los dioses le transfieren Durga mata al demonio que se había transformado a sí mismo en un feroz búfalo. La estatua fue realizada en cobre dorado con incrustaciones de piedras semipreciosas.







018-Conjunto de silla de montar-aC 1400-Tibetano o chino- Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

Parte frontal y trasera de una silla de montar realizadas con placas de hierro damasquinado recubiertas con placa de oro cincelado, con joyas de color azul turquesa y verdes representando flores de loto, los bordes exteriores de ambos paneles están recubiertos por hileras de lapislázuli



019-Estatua de Buda-Periodo Pala-finales siglo 10- India- Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

Esta estatua en bronce plateado con incrustaciones de lapizlazuli y cristal de roca, representa a Buda sentado y coronado. Pertenece al estilo Kurkihar del periodo Pala y fue realizad en Bihar (India). El estilo artístico oriental del periodo Pala tuvo un gran impacto en las artes de Asia, los territorios pertenecientes a este periodo en la zona, incluían los principales lugares de peregrinación budista, y los peregrinos a menudo volvían a sus casas con iconos y estatuas que ejercieron una gran influencia en los artistas de su tierra natal.



020-Estatua de Karaikkal Ammaiyar- Periodo Chola-finales s. 13-India- Copyrigth © 2000-2009 The Metropolitan Museum of Art.

Esta estatua del periodo Chola (aC 860-1279) representa a la santa Karaikkal Ammaiyar. Los devotos de Shiva rendían homenaje y devoción a un grupo de sesenta y tres “esclavos del Señor”, personajes históricos que vivieron entre el siglo sexto y decimo y que eran parte de un movimiento religioso conocido popularmente como bhakti, valoraban la devoción a Dios por encima de la liturgia y los rituales convencionales. La santa aquí representada que vivió en el siglo VI, viajo a los santos lugares en el sur de la India asociados a Shiva y escribió poemas y canciones alabando al Señor en el lenguaje popular de Tamil en lugar del litúrgico sánscrito. Sus poemas figuran de forma destacada en el sagrado canon de Shiva y son a menudo cantados en las ceremonias religiosas. La santa pidió a Shiva que le quitara su belleza para que no existieran distracciones en el culto que a él le rendía, Shiva cumplió su deseo y ella se convirtió en la demacrada figura que se observa en esta escultura.

Acceso a la Helbrum Timeline of Art History por regiones en este ENLACE les recomiendo una sosegada y enriquecedora visita aprovechando el fin de semana, les aseguro que vale la pena.

Saludos.