CASTAS DE LA INDIA

La Beinecke Rare Book and Manuscript Library perteneciente a la Yale University expone en línea un libro “Seventy two specimens of castes in India : "All people, nations and languages shall serve Him. ... presented to the Revd. William Twining as a token of obligation by his ... friend Daniel Poor ...” (Setenta y dos ejemplares de las castas en la India: "Todas las personas, naciones y lenguas…).

Se trata de un manuscrito ilustrado realizado en el sur de la India en 1837, consta de 72 imágenes en color pintadas a mano de hombres y mujeres de las diversas castas y grupos religiosos y étnicos de Madura en la India en aquel momento. Cada dibujo fue realizado en hojas delgadas de mica transparente, como se indica en la página de presentación. El álbum fue compilado por T. Vardapillay, maestro de escritura en las dos escuelas inglesas establecida por los misioneros americanos en la ciudad de Madura y entregado al reverendo William Twining.

El manuscrito muestra la vestimenta y adornos en la región de Madura antes del inicio de la influencia occidental en el estilo de vestir del Asia Meridional. Cada retrato está ilustrado con subtítulos en inglés y en tamil, y la página del título de la obra incluye además el telugu.

El sistema de castas de la India es un sistema hereditario de estratificación social que ha existido en el subcontinente desde hace quizás más de 2500 años. El sistema de castas está profundamente ligado al hinduismo, una de las tres religiones principales de la India.

Los cuatro grupos básicos se denominan varnas. Las castas se multiplicaron de acuerdo con cambios introducidos en la ley brahmánica y por diversidades regionales, que establecen subdivisiones de hecho. Estas subdivisiones sociales se denominan jāti (familia).

El hinduismo enseña que los seres humanos fueron creados de las diferentes partes del cuerpo de Brahmā. Dependiendo de la parte del cuerpo de Brahmā de donde los humanos fueron creados, éstos se clasifican en cuatro castas básicas, las cuales definen su estatus social, con quién se pueden casar, y el tipo de trabajos que pueden realizar.

Las Leyes de Manu dictaminan que este orden es sagrado y que nadie puede aspirar a pasar a otra casta en el transcurso de su vida. Es decir que debe tener el oficio de su padre y casarse con alguien de su casta. Sólo mediante la sucesión de reencarnaciones se puede ir avanzando (o retrocediendo) en este estatus. La reencarnación no es casual. Los individuos que hayan seguido las actividades (karma) correspondientes a su camino (dharma) pueden reencarnarse en un estadio superior. A pesar de que varios reformadores sociales han tratado de abolirlo, el sistema de castas continúa siendo una característica indeleble de la sociedad india.

El primer texto hindú en hacer referencia a los varnas como las cuatro grandes clases es el Purusha-sūkta del Rigveda. Allí se dice que Purusha el ser supremo o el primer ser, mediante su sacrificio primigenio, su inmolación, creo a todos los seres y cosas que existen, y de él salieron las cuatro grandes castas:

• Los brāhmanas (sacerdotes) son la casta más alta, que según ellos salieron de la boca de Brahmā.

• Los chatrías (clase político-militar), que salieron de los hombros de Brahmā.

• Los vaishias (comerciantes, artesanos y agroganaderos), que se formaron de las caderas de Brahmā.

• Los shudras (esclavos), que provienen de los pies de Brahmā.

Por último están los dalits (parias) que son los intocables, una clase tan baja que se considera fuera de los varnas. Los dalits están fuera de este sistema y por lo tanto están tradicionalmente relegados a realizar los trabajos de más ínfima importancia e incluso se les prohíbe beber de las mismas fuentes de agua que las demás castas.

El sistema de castas fue desafiado por el budismo, la principal disidencia del hinduismo, y flexibilizado (en el siglo XX) por los movimientos de derechos sociales. La prédica del Mahatma Gandhi contribuyó mucho a la construcción de una sociedad civil no dependiente de los preceptos religiosos. Gandhi abogó principalmente por el derecho de los intocables, los sin casta, durante su lucha por la independencia de la India (que fue posesión británica hasta 1947).

En la India moderna los matrimonios entre castas, aunque no son ilegales, son generalmente raros. El sistema de intocabilidad fue oficialmente abolido por la ley, sin embargo en la práctica no ha sido eliminado debido a la lealtad de clases, especialmente en las zonas rurales.

Un artículo del Correo de la Unesco de Septiembre del 2001 ENLACE , menciona:

“Más de 160 millones de individuos, la sexta parte de la población de la India, siguen soportando el peso de un sistema de castas existente desde hace 2.000 años y promulgado por la teología hindú, que encierra a las personas en un rol inmutable determinado por su nacimiento. Aunque el término “intocables” fue abolido en 1950 por la Constitución de la India, los dalits (o personas oprimidas, como se les llama actualmente) siguen estando discriminados. Se les niega el acceso a la propiedad de la tierra, trabajan en condiciones degradantes y son atacados sistemáticamente por la policía y los grupos de defensa de las castas superiores, que disfrutan de la protección del Estado.”……

” Aproximadamente dos tercios de los dalits son analfabetos y alrededor de la mitad son campesinos sin tierra. Sólo el 7% dispone de agua potable, electricidad y retretes. Y también son dalits la mayor parte de los 40 millones de trabajadores forzados existentes (que laboran como esclavos para pagar sus deudas), incluidos 15 millones de niños.”….

Es de suponer que algo habrá cambiado en los últimos ocho años, sin embargo y según mis noticias siguen existiendo millones de personas en aquel país que carecen de los derechos y recursos más elementales.

Esperemos que alguna vez la humanidad no solo se desarrolle científica y técnicamente sino sobre todo espiritual y moralmente, y consideremos que en este planeta en el que nos ha tocado vivir, por mucho poder que se adquiera y por muchos bienes que se posean inevitablemente “llegamos y nos vamos materialmente solos”. Y en todo caso la “riqueza transportable” es de otra índole y además no cotiza en bolsa.

Veamos algunas de las láminas de la obra, para ver el titulo pase el cursor sobre la imagen, para ampliar pulse.






















































He recortado el sobrante de las imágenes, corregido el contraste y eliminado algunas manchas. Por la fecha de edición parece improbable que las imágenes tengan copyright, en todo caso se exponen aquí a titulo pedagógico y para ningún otro uso.

Pueden acceder a la obra completa en este ENLACE en la página que se les abre pulsen arriba a la izquierda en “See all images”.

Saludos.

SELECCIÓN DE GRABADOS EN MADERA

La revista Penny publicación semanal que circuló entre los años 1832 y 1845, fue una revista británica ilustrada destinada a la clase obrera. Formo parte de la Sociedad para la difusión del programa de conocimientos útiles para la Reforma Liberal, constituyo una fuente de información sobre temas de interés general, y en general cada número estaba acompañado de grabados. El Penny Magazine, publicado en Londres, introduce en el mercado la variante de la «revista para el hogar», que va a ser imitada en todo el mundo occidental y que en su segundo año alcanza ya una producción de 200.000 ejemplares. Nueve años más tarde aparece el centenario Punch.

El libro “One hundred and fifty wood cuts, selected from the Penny magazine; worked by the printing machine from the original blocks” (Ciento cincuenta grabados en madera, seleccionados de la revista Penny; realizados con los moldes de madera originales) editado en 1835, recopila muchos de los grabados que aparecieron en la revista.

Quizás sea el momento oportuno de dar una somera explicación sobre la técnica del grabado en madera.

El grabado en madera o xilografía palabra que proviene del término griego “xylon” - que significa madera - y del término “grafos” – grabado, se refiere a un grabado realizado sobre una plancha de madera. El proceso xilográfico consiste en dejar en relieve aquellas partes del bloque de madera que corresponden al dibujo, mientras que el resto se vacía. En el momento de imprimir se entinta la superficie que sobresale.

La xilografía es el sistema de grabado más antiguo que se conoce. En Oriente ya se practicaba desde el siglo VII, especialmente para la estampación de tejidos. En Europa su introducción fue más tardía y, aunque los primeros testimonios que se conservan son del siglo XIV (juegos de naipes, estampas religiosas y calendarios), habrá que esperar hasta el siglo XV, con la difusión del papel, para poder hablar de la auténtica expansión de la xilografía.

A pesar de que es una técnica básicamente aplicada a la reproducción de imágenes, también fue utilizada para la reproducción de textos. La gran expansión de la xilografía se produjo en el siglo XV, sobre todo en Alemania, donde destaca la figura de Albrecht Dürer. También hemos de tener en cuenta la obra de Lucas Cranach y ya en el siglo XVI la de Hans Holbein. En el siglo XVII el grabado en madera entró en una fase de declive al verse desplazado poco a poco por el grabado en metal. A pesar de ello, en la siguiente centuria se vivió un verdadero resurgimiento, fruto de la difusión de la xilografía a testa llevada a cabo por Thomas Bewick.

A finales del XVlII, el grabador inglés Thomas Bewick revoluciona la práctica xilográfica con una simple novedad de absoluta eficacia, al sustituir con el boj la blanda madera de cerezo o de peral con que se grababa habitualmente, grabando además contra la dirección natural de la fibra este durísimo material ( a contrahílo o testa). Los miles de grabados de Bewick le sobrevivieron largamente, y bien puede decirse que aunque murió en 1828, la mayor parte de publicaciones editoriales, de revistas y periódicos ingleses se alimentaron durante todo el siglo del enorme fondo icónico elaborado por él y por los miembros de su taller, al margen de la enorme influencia que su estilo ejerciera en todo el grabado xilográfico contemporáneo.

La técnica derivada de este nuevo proceder permitía, a la manera del grabado calcográfico, minuciosos y precisos trazos, punteados, etc., con lo que la gama tonal se enriquecía extraordinariamente, salvando así una de las grandes insuficiencias de este sistema de grabado e iniciando lo que se llamó grabado al claroscuro. Lo que motivó que durante el siglo XIX se aplicase sobre todo a la ilustración de libros y de publicaciones periódicas. Una vez liberada de su función utilitaria, gracias a la aparición de la fotografía y de los sistemas fotomecánicos de reproducción, artistas como Paul Gauguin, Eduard Munch y los miembros del grupo expresionista alemanes “Die Brücke” encontraron en la xilografía un extraordinario medio de expresión y creatividad.

Las técnicas de realización para el grabado en madera difieren en algunos casos pero en general se siguen los siguientes pasos:

1. Preparación de la plancha: Para obtener un grabado de buena calidad es imprescindible que el grosor de la plancha sea totalmente uniforme en cualquier punto y que la superficie sea absolutamente lisa y no presente ni nudos ni vetas. Si no se cumplen estas condiciones es preciso limarla para que no presente problemas a la hora de imprimir. Finalmente se impregna de aceite para tapar los poros y se deja secar una temporada.

2. Obtención del dibujo: Para dibujar la imagen que queremos grabar sobre la plancha de madera se puede hacer de dos formas. Una opción es dibujar directamente sobre la madera y la otra traspasar la imagen a partir de un dibujo original hecho sobre papel. Por ello es aconsejable dibujar el original sobre una hoja aparte, realizar un calco con un papel transparente, invertirlo y transportarlo sobre la superficie de madera, y después reseguir el dibujo con una punta dura.

3. La talla: Una vez hemos traspasado el dibujo sobre la plancha de madera se comienza propiamente a grabar, es decir a vaciar todas aquellas partes de la plancha que no queremos que queden impresas. Según la madera con la que se trabaja y la dirección del corte, se utilizan diferentes herramientas. Para grabar maderas blandas se utilizan gubias. En cambio, para grabar maderas duras y a testa se opta por gubias y buriles parecidos a los del grabado sobre metal.

4. Impresión: Para imprimir una plancha es preciso ejercer un presión o bien de tipo manual o bien de tipo mecánica. En los métodos de impresión manual, la presión se aplica mediante rodillos (cilindros), tampones, cucharas, etc.… Este sistema se utiliza durante el proceso de trabajo para las pruebas de estado y sólo permite obtener un número limitado de estampas.

Cuando el tiraje es más elevado se utilizan métodos de presión mecánica, es decir prensas, preferentemente las “tipográficas”. Una de las ventajas que ofrecen las prensas es que la presión se ejerce de manera uniforme sobre toda la superficie de la madera. El paso previo a la impresión consiste en entintar la superficie de la madera. Antiguamente en este proceso se utilizaban unas balas o tampones, pero hoy en día se utilizan rodillos (cilindros) que permiten distribuir la tinta de manera más uniforme.

A continuación, se sitúa la plancha entintada en la superficie horizontal de la prensa denominada platina. Sobre la madera se coloca suavemente y con un solo movimiento la hoja de papel en la que se estampará la imagen. Para proteger el reverso de esta hoja y para facilitar la presión uniforme de la prensa se coloca sobre el papel un cartón o fieltro y se ejerce la presión. Una vez se ha impreso el dibujo se retira el cartón o fieltro y se levanta la hoja de papel estirándola por un ángulo.

Es importante tener en cuenta que tanto el tipo de tinta como el tipo de papel que se utilicen condicionarán el resultado final del trabajo. Finalmente, tenemos el dibujo original sobre un papel y, por lo tanto, hemos llegado al final del proceso. Ahora, a partir de la misma xilografía y tan sólo repitiendo el proceso de entintado y de impresión, podemos obtener una cantidad ilimitada de estampas idénticas solo determinadas por la mayor o menor duración del molde de madera y su deterioro.

El procedimiento para obtener una xilografía en diversos colores consiste en grabar una plancha diferente para cada uno de los colores que deseamos y después irlos imprimiendo uno sobre otro. No podemos olvidar que en el tiraje la superposición de dos colores dará lugar a un tercer color. Un grabado en colores de calidad se caracteriza por una perfecta superposición de las superficies coloreadas.

Pueden ampliar información sobre xilografía en los siguientes enlaces de donde he extractado lo anterior:

Diseño gráfico comercial siglo XIX (2da parte) por Paola L. Fraticola ENLACE

TÉCNICAS Xilografía ENLACE

Amplia información sobre grabado en madera (inglés) ENLACE

Les presento a continuación unos pocos grabados de la obra mencionada, dejándoles a ustedes el placer de ver las 150 láminas si lo desean en el enlace indicado al final de la entrada. Para ver el titulo pase el cursor sobre la imagen, para ampliar pulse.











































He corregido en algunos casos el contraste de las imágenes originales y eliminado algunas manchas.

Pueden acceder a la obra completa en Internet Archives ENLACE

Saludos.

ARTE DE LA GRECIA CLÁSICA

The British Museum reúne una amplísima colección en línea de objetos artísticos de diferentes épocas y culturas, que pueden ser localizados por distintos criterios de búsqueda, quizás para iniciarse en el manejo de la pagina del museo, lo más sencillo sea escoger en las diferentes opciones de la cabecera, “Highlights”, una vez seleccionada se les presenta una pantalla en la cual pueden escoger la visita por diferentes criterios: Tipo de cultura, pueblo, lugar y material. Al igual que en la casilla en blanco a la derecha lo pueden hacer por una clave especifica (en inglés se entiende).

Para este post por ejemplo, yo he seleccionado la opción de “lugar” especificando “Greece” obteniendo 205 item en la búsqueda. Si seleccionan cualquiera de ellos pulsando en el nombre o sobre la imagen, observaran en la nueva pantalla que se les abre en el centro una descripción del objeto, a la izquierda y debajo de la imagen tres opciones: “larger image” que les permite acceder a la máxima resolución en pantalla, “Print record” (imprimir el registro) y en el centro de ambas una opción muy interesante “Use digital image” si pulsan en ella, acceden a una página donde pueden pedir gratuitamente una copia de la imagen, que les será enviada por mail generalmente a las 24 horas, para ello deben registrarse en el apartado que dice “Free non-commercial image service-Register for our free image service” (un trámite muy simple), una vez obtenido el acceso, introducen los datos de correo y contraseña y pulsan “login”.

Me parece un servicio muy interesante, sobre todo para educadores, pues ateniéndose a los términos y condiciones de utilización se puede usar la imagen para preparar presentaciones curriculares de todo tipo (sin uso comercial) e incluso para publicaciones didácticas o de investigación con tiradas limitadas a un máximo de 4000 ejemplares. La imagen que se consigue, en general tiene una resolución de 2500 pixel en el lado más largo a una resolución de 300 ppp, lo que permite una publicación óptima a tamaño A5 y una presentación en pantalla para usos en clases de tamaño A4 o mayor sin problemas, por otro lado el museo acepta hasta 100 peticiones de un mismo usuario mensuales. Aconsejable leerse los “términos y condiciones” indicados, todas las imágenes obtenidas tienen copyright © Trustees of the British Museum.

Como ejemplo de una imagen obtenida de la forma indicada observen la primera que les presentare a continuación, pulsen sobre ella y amplíenla en el servidor al tamaño original usando la lupa sobre la imagen que les aparece. Las demás imágenes han sido obtenidas directamente de pantalla por lo cual la resolución es bastante menor.

A continuación les expongo doce piezas de la colección, con una explicación traducida de la descripción que hace el museo de las imágenes. Para ampliar pulsen sobre la imagen.





Ánfora trofeo Panatenaico- griega, de Atenas sobre 367-366 a. C. Encontrada en Teucheira Libia, (actual Cirenaica).

Un premio para el vencedor en los Juegos de Atenas, este vaso pertenece a un tipo distintivo dado como premio en los juegos celebrada en Atenas durante el festival anual conocido como el Panateneas. El festival honraba a Atenea, la deidad patrona de la ciudad. El vaso, lleno de aceite de oliva, era entregado a los vencedores en los Juegos. Una inscripción en un lado del vaso se traduce "de los juegos de Atenas”, mientras que en el otro lado el alfarero ha firmado su obra,”hecho por Kittos”.

Atenea se suele mostrar en un lado de dichas anforas. Aquí se lleva una túnica de decoración elaborada y su marco característico. En el otro lado se muestra la especialidad deportiva a la que se otorgaba el premio. Estos dos concursantes probablemente tomaban parte en un pancracio, tipo de lucha que combinaba el boxeo y la lucha libre. El atleta desnudo tercero a la derecha esta tal vez a la espera de competir. La figura de la izquierda es un entrenador o un juez.




Joya en calcedonia mostrando a Nike, diosa de la Victoria- Griega, alrededor de 350 a.C. Esta joya bellamente tallada es una simplificación del escarabajo egipcio, está atravesada longitudinalmente, y fue montada en un anillo giratorio. La joya está esculpida en calcografia con el diseño cortado en la piedra, de forma que si se aprieta contra arcilla o cera quedaría la imagen grabada en forma de sello, probablemente usada con ese uso también se utilizaban como adorno.

La talla muestra a la diosa alada Nike, diosa griega de la Victoria, presentando las armas capturadas a un enemigo vencido: casco, coraza, espada, greba y dos escudos acompañados de una lanza y pedazos de telas. Estas figuras representando trofeos eran dedicatorias colocadas en los santuarios.




Copa representando boxeadores y otros atletas de Grecia encontrada en Vulci (actualmente el Lazio en Italia) alrededor del 500-475 a.C. Los logros atléticos fueron muy valorados en la Grecia antigua. La aptitud física era muy importante dado que todos los varones adultos tenían que estar preparados para servir en el ejército si era necesario. Los deportes de todo tipo eran parte importante de la educación griega y las competiciones de atletismo se llevaban a cabo en muchos festivales importantes. Los juegos más famosos se celebraban en Olimpia y entre los deportes establecidos el pancracio que se ilustra en esta pieza era un deporte olímpico.

El pancracio era un tipo de lucha en la que se permitía casi cualquier cosa incluyendo patadas e intentar estrangular al oponente las únicas acciones prohibidas eran morder al adversario o intentar sacarle los ojos, a la derecha de las imágenes de esta pieza parece estar cometiendo alguna de estas faltas y el árbitro detrás de él parece estar a punto de golpearle con el bastón. A la izquierda se observan un par de boxeadores.




Vasija de vino o crátera griega alrededor del 325 a.C. Fabricada en Apulia (Italia), llamado también “el vaso de Hamilton”.

La escena principal representada en esta vasija de vino está dominada por un pequeño templo y su ocupante, un joven y su caballo. Las dos columnas jónicas en la parte delantera se unen a las paredes del lado corto. El remate por encima de ellas está decorado con un adorno de acroteras. Toda la estructura se encuentra en un alto pedestal decorado con un diseño en espiral. En el interior, el joven guerrero está acompañado por su caballo, detrás de él cuelgan su coraza y demas implementos. El añadido blanco utilizado para el edificio y sus ocupantes sugiere que fueron hechas de mármol o de piedra caliza de estuco. Muchos fragmentos de tales monumentos han sido excavados en Taranto.

En el curso del siglo IV a.C, la pintura de cerámica en Apulia se volvió cada vez más recargada. La elaborada decoración en el cuello de este jarrón, donde una cabeza de mujer emerge de un intrincado diseño de volutas y flores, es característico del estilo tardío de Apulia.





Sello de cornalina que representa a un hombre conduciendo un carro. Minoico del 1450-1300 a.C. de Knossos en Creta, los artesanos de esta zona fueron especialistas en el arte del grabado en sellos, estos sellos en piedra generalmente pequeños están bellamente tallados con diseños que nos proporcionan una imagen en miniatura de la fascinante Creta minoica. Estos sellos tenían un propósito practico, se utilizaban para imprimir en trozos de arcilla en torno a los cierres de las puertas, en botes, cajas, incluso para sellar lotes de documentos. Estas marcas podrían indicar la propiedad o identidad de algún control de la autoridad oficial. El uso del sello fue una constante en los sistemas administrativos Minoicos que controlaban los movimientos de bienes y productos, en algunos casos también sirvieron de elementos decorativos usados en la muñeca o cuello.

Este sello de cornalina muestra una figura con un carro tirado por un par de caballos. Tiene un látigo en una mano y las riendas en la otra. El efecto en zig-zag sobre el lomo de los caballos, presumiblemente indica una forma compleja de arnés. Sellos y joyas eran especialmente populares entre los coleccionistas europeos de los siglos XVIII y XIX.






Tazón con figuras en negro, firmado por el pintor Sophilos, realizado en Atenas hacia el 580 a.C. Representa la procesión de la boda de Peleo y Tetis, los frisos de los animales en este tazón recuerdan a las pinturas de corintio, también están representados dioses, diosas y ninfas que supuestamente se transforman para celebrar la boda del héroe Peleo con la hermosa ninfa marina Tetis.

Según la leyenda Tetis había tenido muchos pretendientes entre ellos a los propios dioses, pero cuando estos se enteraron por una profecía que el hijo de Tetis seria más grande que su padre dispusieron que debía casarse con Peleo. Su hijo seria Aquiles el más famoso de los griegos en la guerra de Troya.

En la pintura Peleo esta ante las puertas de su casa para saludar a los huéspedes que llegan a pie o en carro. Entre los primeros se encuentra el dios del vino Dionisos, representado con una rama de vid cargada de uvas, que simboliza el vino que bebe en las bodas. Los nombres de los invitados figuran escritos al lado de las imágenes. Sophilos es el primer pintor de vasos griegos cuyo nombre se conoce.




Las imágenes de esta Hidria se dividen en dos zonas. La zona superior muestra el rapto de las hijas de Leukippos por el Dioskouroi, Kastor y Pólux (Cástor y Pólux).

Afrodita, diosa del amor, se sienta en la parte inferior de la escena, claramente implicada en el secuestro. Su asistente Peito, diosa de la persuasión, huye de la escena, pero Afrodita y Zeus, padre de la Dioskouroi, no parecen moverse. La escena en la zona inferior muestra a Heracles realizando su último trabajo (los trabajos de Hércules), recibiendo las manzanas de oro de las Hespérides de las ninfas responsables de guardar el árbol en un jardín al final de la tierra.

Ambas escenas son notables por el tratamiento pacífico de los sujetos violentos. Otras versiones de la historia de las hijas de Leukippos muestran a estas luchando por liberarse. En este caso, parecen más interesadas en mostrar su hermosa ropa de la manera más elegante posible. Del mismo modo, al comienzo de la escena del Trabajo final de Heracles se muestra la lucha contra una serpiente terrible. Aquí las ninfas parecen perfectamente felices de renunciar a sus manzanas, mientras que la serpiente inerte y bobina se enrosca alrededor del árbol. Este estado de ánimo suavizado, junto con el tratamiento delicado del conjunto pictórico, es muy característico de la pintura en cerámica de finales del siglo V ateniense.




Cuenco con una cabeza de Gorgona del periodo arcaico alrededor de 625-600 a. C. realizado en Corinto en el estilo de cerámica petrificada. El conjunto pictórico presenta un friso de panteras, ciervos, dos esfinges y una sirena que rodean el motivo central la cara de la medusa Gorgona. Según la leyenda cualquiera que mirase el rostro de la Gorgona quedaría instantáneamente convertido en piedra, el héroe Perseo logro cortarle la cabeza que le entrego a la diosa Atenea para que la colocara en el centro de su escudo. Cabezas de Gorgona se encuentran muy a menudo como motivos centrales de tazas y tazones de esta época dado que su forma es adecuada para el campo pictórico circular disponible, el diseño suele ser decorativo y llamativo, probablemente también cumplían una función de conjuro, alejar el mal de ojo del usuario de la jarra. A finales del siglo VII a.C. las ollas y tazones de Corinto fueron muy populares en todo el Mediterráneo. La excelente factura del estilo Protocorintio fue sustituido gradualmente por un estilo un tanto más tosco.

En el siglo VI a.C. los animales reales y mitológicos que siguen siendo el tema básico para los pintores de los vasos corintios se van haciendo cada vez mas esquemáticos en sus diseños, al mismo tiempo el ornamento de relleno se ejecuta de una manera menos elaborada. Este plato fue realizado a comienzos del periodo arcaico y muestra un conjunto pictórico muy cuidadoso y detallado.




Terracota representando a Dionisos de Tanagra en Beocia, Grecia, alrededor del 350 a.C. El dios Dionisos puede ser reconocido por dos de sus atributos característicos, el gallo y el huevo. Dionisos era un dios del mundo subterráneo al igual que del vino y las ofrendas, en este caso los huevos y el gallo evocan la vida y la fertilidad.

Este tipo de busto, llamado Prótomo, se realizo extendiendo una fina capa de barro en un molde único y cocido posteriormente. Los primeros ejemplos conocidos se hicieron en el Oriente griego, especialmente en la isla de Rodas, pero desde principios del siglo V a.C en adelante también se hicieron a Tanagra y en otros lugares de la Grecia continental. Los colores en este ejemplo son muy llamativos y están excepcionalmente bien conservados.




Terracota de Tanagra (Grecia) figura de una mujer con un sombrero para el sol, siglo III a.C. Las piezas de este estilo y época llevan el nombre de “Tanagras”, lugar de Beocia en Grecia Central donde miles de figuras similares fueron desenterradas en la década de 1870. Figuras de hombres, niños y actores cómicos también fueron encontradas en Tanagra, pero las más abundantes fueron las femeninas. El principal atractivo de estas piezas radica en su postura casual y su ropa que generalmente consiste en una túnica usada debajo de una capa más gruesa o himation. Estas prendas estaban originalmente revestidas de colores brillantes de los cuales como se observara en esta pieza nada ha quedado.

La mayoría de figuras de Tanagra se han encontrado en tumbas, donde pueden haber sido colocadas, ya sea como ofrendas a los dioses del inframundo, o para proporcionar comodidad a los muertos.

La mayoría de figuras de Tanagra se realizaron a partir de dos moldes principales, trasero y delantero, con la cabeza hecha en uno o dos moldes más y unidos por medio de una espiga larga insertada a través de la parte superior de los hombros. La parte trasera de algunas figuras es tan detallada como la parte delantera. Después de la cocción, la pieza era recubierta con una solución de yeso o arcilla blanca, y luego se agregaban los colores sobre la misma.




Jarra estilo pictórico (crátera) periodo griego micénico, alrededor de 1400-1300 a.C realizada en la actual Ialisos-Rodas, escena de un pulpo con diseño delicado y sutil.

Durante los siglos XIV y XIII a. de JC las jarras micénicas eran demandadas en todo el Mediterráneo oriental. Su atractivo, sin duda, radica en el hecho de que en general estaban bien hechas, de arcilla de buena calidad, y bien pintadas.

Esta crátera proviene de un cementerio de las cámaras de las tumbas micénicas en la isla de Rodas, y por lo tanto, presumiblemente del enterramiento de un residente micénico de la isla. Está decorada en ambos lados por un gran pulpo, de ojos saltones con tentáculos extravagantes. La decoración basada en motivos marinos era popular en la Creta minoica, y adoptada con entusiasmo por los micénicos del continente griego. Tales criaturas marinas eran, sin duda, tan familiares para los antiguos habitantes de las islas griegas, como lo son actualmente para sus contrapartes modernos.




Jarra de cerámica “West Slope” con una cabeza de Gorgona en el cuello manufactura de la isla de Creta alrededor del 200-150 a.C.

Piezas “West Slope” es el nombre dado a los primeros hallazgos realizados en la vertiente oeste de la Acrópolis de Atenas. Es una clase de cerámica helenística que es esencialmente negra, vidriada y con decoración policromada.

El molde de la cabeza de Gorgona en el cuello de este vaso está rodeado por un circulo de color amarillo (que se aprecia muy poco a esta resolución), con la intención tal vez de evocar la égida de Atenea en la que se estableció la cabeza de Medusa. El friso que rodea la parte más ancha de la vasija es un ambicioso intento de mostrar cubos en tres dimensiones.

Creta era un importante productor de cerámica fina en el período helenístico. La Cirenaica, donde se encontró el bote, era un destino común para productos de Creta, al igual que el Egipto ptolemaico.


Como he indicado antes todas las imágenes tienen copyright a favor de © Trustees of the British Museum, y son expuestas aquí a titulo pedagógico exclusivamente.

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Saludos.